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107 Mothers
Screenings in Swiss cinema theatres
Les corps nus de jeunes mères ukrainiennes occupent la première séquence du film de Peter Kerekes. Mais c’est l’évaluation clinique qui prime sur la beauté, car nous sommes dans une prison aux alentours d’Odessa, et le film raconte de la condition de ces mères punies. Punies avec leurs enfants, qui peuvent grandir dans les espaces exigus de la prison jusqu’à l’âge de 3 ans, pour se voir souvent séparés après de leurs mères. 107 Mothers reflète parfaitement dans la forme ce mélange de dureté et de tendresse, parce qu’il sait alterner avec bravoure un style sec, justement clinique, fait de témoignages frontaux et constats glaçants, et par un style esthétisant, fait de cadrages remplis de lumière et une centralité toute humaniste des personnages féminins.
Le récit à la fois documentariste et explicitement mis en scène, nous livre toute une série d’informations par le biais d’une ébauche de narration. Nous nous sentons quelque fois les destinataires d’une explication presque didactique – effet accentué par la figure bienveillante de la gardienne-protagoniste, laquelle montre également des éléments de fragilité. Cela aide à peindre un monde où tous apparaissent comme des victimes, victimes d’un système qui est incarné par la mentalité patriarcale générale et seulement en second lieu par les institutions (qui en sortent plutôt « humanisées »).
Indépendamment d’un jugement pour nous très difficile sur une question si délicate comme celle de distinguer les responsabilités entre mentalité ambiante et institutions, le film de Peter Kerekes, coécrit et coproduit avec Ivan Ostrochovsky, réussit magnifiquement dans sa tâche principale, celle de rendre aux femmes mères et prisonnières dignité et compréhension pour leur condition. Ce sera par les silences et un montage qui sait positivement surprendre quand le film exprime, par son rythme, cette condition spéciale où faute, amour, rancune, résignation et tendresse s’entremêlent parfaitement.
107 Mothers | Film | Peter Kerekes | SVK 2021 | 90’ | FIFDH Genève 2022
Dear Future Children
They want to change the course of History, but they probably should start changing the mind of their neighbour first. In a nutshell, this is the essence of my impression of Dear Future Children, and this is the reason why I would not like to be the future children of two of the three activists in focus here, because I will play with harder fascism their romantic game of playing the global hero, the anarchist, the victim, the rebel. I mean, playing the disastrous game of confronting police can be a necessity in countries where the opinion of the majority has no meaning anymore, but in weak democracies such as in Chile or Hong-Kong, one should use one’s own education to find more efficacious strategies, first of all addressing oneself directly to the conformist masses that, against their interests, tend to accept liberticide and authoritarian regimes.
The case of the Ugandan story is different, insofar as its young hero is more involved in campaigning than in violent struggles, and yet she also appears frustrated by her own speaking, asking for more action. Action however, dear activists, is a Sisyphus’ job when it is not coupled with strong collective consciousness and motivation, exactly as command or prohibition are. One should never cease to use words instead of stones. Therefore, the constructive example of the Ugandan girl is a moment of hope in a film that otherwise conveys a desperate message, for it constitutes the portrait of an educated and informed young generation that acts out of despair and neglects intelligence – no more David against Goliath, but little Goliaths against the Leviathan…
Dear Future Children tells the sad story of some well-intentioned but anachronistic beautiful souls, of a generation that is (already) as old-fashioned as Bakunin or the Che (and Böhm himself, his young age notwithstanding, actually uses the quite conservative filmic language of mass journalism and its cliched emotions). This is a sad reality that one would like to forget, hoping for a future where humanism and democracy will be a matter of intelligence. The film also tells the story of other young people around the world, that work to concretely defend the well-being of the planet: as the almost isolated Ugandan girl is the representative of another category of people that founds communities, creates parties, proposes solutions, speaks with the political rivals, connects with real people and gives the example. Through what I see as an essential distinction, the idea itself of “activism” should be sharply redefined, so as to avoid the catastrophic misunderstanding according to which changes should come from rioting in the streets.
Dear Future Children | Film | Franz Böhm | DE-UK-AT 2021 | 89’ | FIFDH Genève 2021
Aswang
ONLINE STREAMING (Switzerland) by Filmexplorer’s Choice on eyelet.com
What’s going on in the Philippines? How is Rodrigo Duterte conducting his “war on drugs”? What are the real consequences of his brutal regime? These are probably the questions that pushed many viewers to attend the world-premiere of Alyx Ayn Arumpac’s Aswang at IDFA last year, and convinced new ones to watch it when screened at Zurich Film Festival.
In the local folklore, “aswang” is an umbrella term used to describe many shape-shifting spirits that prey on humans, such as vampires, ghosts, witches and other monstrous creatures. Since 2016, this “nightmarish” term has become part of everyday life in Manila and all over the archipelago. The documentary opens with a shot depicting a flashing police siren and what seems to be a crowded crime scene. «Night after night the darkness unravels bodies, sprawled face down on the streets. Death floats down the rivers and the sea», says the voice over narrator at the end of this short prologue. That’s exactly what happens in the Philippines, where police are allowed to torture, kidnap and kill anyone suspected of being involved in drug-dealing activities, with minimal or no consequences.
Here, Arumpac chooses wisely to focus her attention on the experiences of a limited group of people – among these the portrait of Jomari, a street boy, is the most shocking. She successfully documents the cruelty of the death squads in an impassioned cri de coeur that manages to remain lucid and achieves her goal of a “wake-up call” to the rest of the world. The camera work is functional and skilfully avoids sensationalising misery and violence. The score is essential and does a fair job, without overdramatising such despair. The lack of testimonies from the other side of the “barricade” (for example, police officers or government officials) represents a strong political statement itself and the choice to set almost the entire film at night already serves as an obvious, unintentional metaphor of the “dark times” under Duterte’s dictatorship.
All in all, Arumpac proposes a brave, urgent piece. Her documentary builds up multi-layered criticism towards the regime, showing how the current system is the result of connivance and corruption at many societal levels, ultimately proficient in protecting the strong and the powerful. There are surely certain areas that might have been explored in more depth; for example, the actions (or inactions) of political opponents, intellectuals and the Church. Nevertheless, Aswang accomplishes its main mission and leaves the viewers petrified and perplexed, reminding them that in the Philippines «whenever they say an aswang is around, what they really want to say is be afraid», and today it is still so.
Aswang | Film | Alyx Ayn Arumpac | PHL-FR-NO-QAT-DE 2019 | 85’ | FIFDH Genève 2020, Zurich Film Festival 2020
Los silencios
Quand nous voyons des fantômes à l’écran, nous faisons l’expérience de retrouver le propre du cinéma avec une certitude à la fois rassurante et inquiétante. Mais pour que les moyens imaginatifs du cinéma ne tournent pas au kitsch, pour que nous spectateurs ne soyons pas en décalage, il faut savoir créer un monde onirique, intimiste, ou bien symbolique — ce que Beatriz Seigner a parfaitement réussi à faire. Et il s’agit ici d’une véritable prouesse, car Los silencios est un film également centré sur le témoignage documentaire de l’un des nombreux chapitres du grand livre des réfugiés et des déplacés.
Nous sommes à la frontière entre Colombie et Brésil, plus précisément sur une île définie comme no man’s land, où l’ambiguïté politique se confond parfaitement avec des contours géographiques indéfinis, connotés par l’eau, l’humidité, une végétation luxuriante. Les péripéties d’une famille qui cherche à fuir la guerre civile, sans le père porté disparu, sont alors parfaitement exprimées par la « suspension » de la maison sur pilotis où des rideaux éphémères se substituent aux fenêtres : les regards de la communauté de l’île sont omniprésents, incarnant le mélange de contrôle et de solidarité auxquels la famille est désormais destinée.
L’habileté de Seigner à trouver un registre à la fois onirique et concret repose en grande partie sur le choix de faire coïncider le point de vue du film avec celui de la jeune fille. Nous regardons le déracinement, la dépendance et la souffrance à travers la perspective non politisée d’une enfant concentrée principalement sur les affects. Sa vision du père-fantôme devient ainsi naturelle et parlante : elle exprime la recherche de guide, de protection, et de valeurs. Un tournant décisif de Los silencios sera alors la découverte que ce regard bénéfique sur les valeurs, sur l’immatériel, dans des conditions matérielles très difficiles, s’avérera être un regard troublant depuis l’immatériel. Les fantômes ne sont plus l’objet de notre regard mais les yeux du film lui-même.
Los silencios | Film | Beatriz Seigner | BRA-COL-FR 2018 | 89’ | International Film Festival and Forum on Human Rights (FIFDH) 2019, Human Rights Film Festival Zurich 2019, Filmar en América Latina Genève 2020
House of My Fathers
La réalisatrice Suba Sivakumaran s’appuie sur l’histoire de son pays, le Sri Lanka, pour nous livrer un conte à la fois poétique et universel.
Deux villages, l’un tamoul, l’autre cingalais, séparés d’une barrière en bois et de fils électrifiés s’affrontent depuis plusieurs décennies, faisant couler les larmes et le sang. Si la guerre fait rage entre les deux camps, ils sont face à la même crise : les femmes ne peuvent plus concevoir d’enfants. Alors pour conjurer le sort, les dieux imposent qu’un homme cingalais et qu’une femme tamoule se retrouvent dans la forêt des Morts pour se confronter à leurs passés, s’unir et sauver le futur. La prophétie veut aussi qu’un seul d’entre eux rentre sain et sauf dans son village. Ainsi Asoka, soldat respecté devenu paria après une tentative de coup d’État et Ahalya, une femme devenue muette suite à la mort de son mari et de son fils pendant la guerre, se retrouvent sur une plage déserte pour faire ensemble le voyage de tous les dangers.
En ancrant son film dans le réel, la réalisatrice touche du doigt une vérité qu’un documentaire serait certainement incapable d’exprimer. House of My Fathers a la force de pouvoir être apprécié comme une fable quasi dystopique, bien que le film navigue dans les souvenirs bien réels d’une guerre atroce qui prit fin en 2009, après plus de vingt ans de guerre civile. La mémoire des personnages — en dehors d’Asoka et d’Ahalya, ils sont militaires, hommes de foi ou encore étudiants — est celle de tout un peuple. À travers des images à la force d’évocation redoutable, Suba Sivakumaran fait ressurgir cette mémoire traumatique de la plus belle des manières, comme lorsque dans la forêt des Morts Asoka décrit sa souffrance à d’anciens frères d’armes devenus des morts-vivants avides de vengeance, ou lorsqu’Ahalya rejoint des exilés marchant en cercle et en silence dans une angoisse muette. Ici, la tension subtile entre le monde réel et mystique fonctionne à merveille, aussi grâce à la photographie de Kalinga Deshapriya.
En affrontant leurs passés respectifs, Asoka et Ahalya finissent par se rapprocher, ramenant ainsi une lueur d’espoir dans ce récit plutôt sombre. Leur cohabitation devient le symbole d’une paix durable entre leurs deux peuples, avant que la romance ne laisse à nouveau place à la violence. À cet égard, Suba Sivakumaran porte un regard pessimiste sur la possibilité d’une réconciliation. Reste l’apparition d’une vie nouvelle, une naissance… La promesse d’un recommencement, pour le meilleur ?
House of My Fathers | Film | Suba Sivakumaran | LKA 2018 | 95’ | International Film Festival and Forum on Human Rights (FIFDH) 2019
Still Recording
If I were a judge for crimes against humanity, I would consider Ghiath Ayoub and Saeed Al Batal’s Still Recording an incredibly precious document.
If I were a reporter, I would quote it as a brilliant example of immersive journalism.
If I were a young bohemian, I would take the (almost exclusively male) protagonists as true heroes.
If I were an accidental viewer of documentaries, I would be strongly struck by the screening, while still feeling a bit frustrated by not getting any information about the broader political context that is responsible for all of this.
If I were a humanist, I would be emphatically impressed by the protagonists but would finally get a very pessimistic view on human beings, so fuelling my fear and personal need for security.
If I were a seller of cultural products, I would highly appreciate the shocking force of the film and try to exploit it.
If I were used to seeing many documentaries on war situations, I would cast some doubts on the film’s defence of the “right cause”, and on the sharp distinction between good and evil.
If I were a political theorist, I would point at the risk of overloading the viewer with intense emotions without using this moment as a call for responsible action.
If I were a film editor, I would simply say: «chapeau!».
If I were a film critic, I would like to ask the director why he did not expand more self-critically on the idea of the camera as a weapon.
If I were a media theorist, I would ask myself whether the need to witness the violence of the war would not ultimately imply the images being – at least partially – the trigger of the violence itself.
If I were a bad-tempered philosopher, I would reflect on the attraction of pornography in journalism-oriented filmmaking.
Nevertheless, insofar as I am a good-tempered philosopher, I would in any case say that Still Recording has the virtue to push each viewer to interrogate themselves on their own position and role.
Still Recording | Film | Ghiath Ayoub, Saeed Al Batal | LEB 2018 | 123’ | International Film Festival and Forum on Human Rights (FIFDH) Geneva 2019
Audience Award and FIPRESCI Award at Venice Critics’ Week 2018
Special Mention at Jihlava International Documentary Film Festival 2018
Screenings at FIFDH Genève 2019
The Silence of Others
Man stelle sich vor, Hitlers Grabmonument würde ein ganzes Tal einnehmen und zum Todestag fände dort ein grosses Fest statt. Oder Merkel würde öffentlich über die Aufarbeitung des Nationalsozialismus sagen: «Lasst uns nicht mehr in alten Wunden grübeln und nach vorne schauen.» Oder man stelle sich vor, es gäbe einen Führerplatz, eine Göbbels-Allee oder zum Beispiel eine Eichmannstrasse. In Spanien stellt man sich das leider nicht vor, wie der Dokumentarfilm The Silence of Others aufzeigt. Die Bürgerkriegs- und Diktaturverbrechen zwischen 1936 und 1977 wurden von staatlicher Seite weder aufgearbeitet noch geahndet. Auch in Schulbüchern wird das Kapitel grosszügig ausgeklammert. Und was die Gesetzgebung anbelangt: Seit dem Ende der Diktatur besteht ein Amnestiegesetz. Es sollte eigentlich linke Oppositionelle vor Verfolgung schützen, wurde dann aber vor allem dazu genutzt, Kriegsverbrecher und Politiker zu schützen. Der Dokumentarfilm von Almudena Carracedo und Robert Bahar thematisiert und deckt auf, was schon längst überfällig ist. So überfällig, dass der Film ohnmächtig macht vor Wut und Trauer. Denn es handelt sich hier um ein unglaublich düsteres Kapitel von staatlich verordneter, systematischer Amnesie dank Amnestie.
Die Stärke von The Silence of Others ist, dass er sowohl in die Breite wie die Tiefe geht. Einerseits wird etwa der 2016 siegreich beendete Kampf um die Änderung der Strassennamen dokumentiert oder der Kampf derer, die um die Exhumierung und korrekte Beisetzung von in Massengräbern verscharrten Angehörigen kämpfen. Dieser Kampf hat ihr Leben verändert und sie wie im Fall María Martíns zu flüsternden Lebewesen gemacht, die die Geister der Ahnen umtreiben. Andererseits begleitet der Film mehrere langwierige und langjährige juristische Kämpfe wie der von Chato, einem Linken, der während der Franco-Diktatur gefoltert wurde und sein dessen Peiniger ein paar Strassen weiter wohnt. Seinen Kampf ficht er via Argentinien aus, denn nur ein internationaler Haftbefehl zeigt etwas Wirkung und generiert öffentliches Interesse. Und apropos Argentinien: Linken, alleinstehenden und armen Müttern wurden ungleich mehr Babys entrissen und in regimetreue Familien weitergegeben – ein so dunkles Kapitel Spaniens, dass man sich tatsächlich eine Amnesie wünschte, um dies verdrängen zu können. Nein, möchte man rufen, den Opfern geht es nicht um Rache, sondern um ein Zeichen von (staatlichem) Eingeständnis und Wiedergutmachung. Denn wie die Geister der Verstorbenen zeigen: Solange man sie nicht beachtet, flüstern sie weiter. Immerhin geht der neue Ministerpräsident Sánchez – wenn auch zögerlich – das Thema von Francos Grabmonument an, und auch die Justiz macht sich ans Thema Kindesraub, doch immer winkt die Verjährung.
Dieser Film hinterlässt einen sprachlos, aber mit der Gewissheit, dass Stille im eigenen Land mit internationalen Gesetzen herausgefordert werden kann. Ein gutes Argument, um nationales Recht nicht allzu «selbstbestimmt» über internationales Recht zu stellen.
The Silence of Others | Film | Almudena Carracedo, Robert Bahar | ES 2018 | 96‘ | FIFDH Genève 2018, Human Rights Film Festival Zurich 2018
Derniers jours à Shibati
Le petit Zhou Hong du quartier populaire de Shibati, à Chongqing, regardera son nouveau monde depuis la fenêtre de l’un des milliers d’appartements des HLM qui ont poussé comme des champignons à la périphérie d’une ville devenue rapidement métropole, avec 32 millions d’habitants. Le réalisateur enregistre la disparition, achevée par sa démolition, du cadre de plusieurs vies parmi les maisons délabrées de Shibati qui était peut-être insalubre mais socialement intense. Hendrick Dussolier ne choisit pas l’analyse objective de l’urbaniste, mais l’approche empathique de l’anthropologue, car sa petite caméra suit constamment les personnes du vieux quartier pendant ses derniers jours. Et il sait également assumer la présence de sa caméra, en enregistrant avant tout le contact spontané et l’échange avec une population accueillante et très communicative. Il en sort ainsi un portrait authentique, riche de nuances, d’une réalité en train de disparaître.
Le regard nostalgique de l’Européen qui risque d’idéaliser l’heureuse pauvreté en critiquant une transformation exclusivement tournée vers le futur, qui passe évidemment par la spéculation et l’accentuation des injustices sociales, se confronte également à une Chine amenée à incarner non sans bonne volonté un idéal de confort qui permet effectivement de sortir beaucoup de monde de la misère, quitte à payer le prix de la fragmentation sociale et de l’isolement. Avec la modernisation de l’urbanisme et ses conséquences sociales, Derniers jours à Shibati touche donc avec beaucoup d’efficacité une thématique qui est à la fois brûlante en Chine et également bien actuelle en Europe.
Derniers jours à Shibati | Film | Hendrick Dussolier | FR 2017 | 60’ | FIFDH Genève 2018
Grand prix de la compétition française at Festival Cinéma du Réel 2017, Special Prize of the Jury at IDFA 2017