Explore by #FIFF Fribourg
Jinpa
A rocky trucker singing O sole mio in out of tune Tibetan while driving across the desert plains of the Kekexili Plateau at more than 5000m of altitude, and transporting a bloody dead sheep on the front seat next to him, would be enough to intrigue anyone. The opposition of a second protagonist – who has the same name as our trucker (Jinpa) – who is resolved to kill his father’s killer after ten years of hesitation, and the dissimilarities between the surprisingly pious and sensitive character of the rocky Jinpa and the surprisingly bad manners of the other Jinpa, who is still dressing in old-fashioned and traditional clothes, are just some amongst the many ingredients that make this film so exotic. “Instagrammed” images, both highly exposed and with deeply saturated colours, add an aesthetic flavour from the Seventies; together with rare, sententious dialogues, they define a cinematic style longing for epics.
Pema Tseden clearly likes the atmosphere of Sergio Leone’s films, and we should remark that the Western genre seems to be à la mode in recent Chinese film productions – I refer to a genre that has to be distinguished from the wuxia genre; see for example Qungshu Gao’s Wind Blast (2010), Ning Hao’s No Man’s Land (2013) or Liang Sung’s Kill the Shadow (2017). In order for an epic style to be effective, strong personal or collective dramas should sustain the epic rhetoric. Now, despite some timid reference to the practices concerning the respect of karmas, Jinpa sinks us into a foggy narrative, where potential metaphors reduce themselves to vague allusions, and our expectations are largely deceived by the very few pieces of information. Many plots become possible, which waters down the cogency of the drama; the urgency in which a hero is made remains suspended at unintelligible implications, thereby becoming fanciful.
Jinpa is probably no more than an atmosphere, and it challenges us with the discomfort and pleasure of open meanings, yet the highly connoted Western aesthetic still communicates a well-defined eulogy of the individualist outsider – rigorously male – and this makes us reflect on the transformation of a society – both the Tibetan and the Chinese – that has long been very far from the (very cinematic) world of cowboys.
Jinpa | Film | Pema Tseden | CHN 2018 | 86’ | FIFF Fribourg 2019, Black Movie Genève 2020
Best Screenplay at Orizzonti section at Venice Festival 2018
The Day I Lost My Shadow
Der Verlust des eigenen Schattens ist vielleicht nicht die originellste Metapher, noch wird sie in The Day I Lost My Shadow visuell besonders wirkungsvoll eingesetzt. Trotzdem funktioniert sie als magisch-realistische Aufschmückung dieser sonst ziemlich gradlinig erzählten Odyssee einer Mutter, die zu Beginn des Syrienkrieges von ihrem Sohn getrennt wird, seltsam berührend. Gemäss einem Dialog im Film stammt die Inspiration dazu aus Hiroshima, wo die Bombe, umgekehrt zu hier, von den Opfern nichts anderes übrig liess als den Schatten. In Soudade Kaadans Film ist den Menschen mit ihrem Schatten nicht die Seele abhandengekommen, sondern in einer Art Tauschhandel auf dem existenziellen Schwarzmarkt gegen deren Bewahrung eingetauscht worden.
Der Rest ist Realismus, und zwar von einer Präzision in der Darstellung des Alltags zu Kriegsbeginn, wie ihn nur jemand darstellen kann, der ihn erlebt hat. Das Geräusch einer anhaltenden Waschmaschine nach erst halbem Waschgang, weil der Strom noch früher ausfällt als am Vortag; das kalte Abendessen unter einer Wolldecke bei Kerzenlicht, weil auch der letzte Gaskanister gerade leer geworden ist. Der Taxifahrer, der erst Augenblicke vor der Grenzkontrolle seine Passagiere informiert, dass ihre Chancen bei einer Verfolgungsjagd mit den schwerbewaffneten Grenzbeamten besser stehen.
Die Regisseurin erzählt in ihrem ersten Spielfilm keine runde Geschichte, die den Krieg und seine Schrecken erklärt, sie entwickelt auch nicht präzise Metaphern etwa für das Gefühl, den eigenen Bruder zu Tode gefoltert zu sehen oder plötzlich vom kleinen Sohn getrennt zu werden, ohne zu wissen, ob man je zu ihm zurückfinden wird. Das ist auch weder nötig noch möglich. Die Regisseurin war gleich nach dem Beginn des Krieges nach Frankreich geflüchtet und masst sich nicht an, von dessen noch drastischerem, immer noch stattfindenden Fortlauf zu erzählen. Nicht nur, weil sie diesen nicht erlebt hat, sondern auch weil sich dieser weder angemessen darstellen liesse, noch der Versuch überhaupt gemacht werden sollte.
The Day I Lost My Shadow | Film | Soudade Kaadan | SYR-LEB-FR-QAT 2018 | 90’ | FIFF Fribourg 2019
A Dysfunctional Cat
Es ist eine leere, graue Wohnung, in die Kian und Mina zusammen einziehen. Wird es das frisch verheiratete Paar schaffen, die kargen Wände mit Leben füllen zu können? Einem gemeinsamen Leben?
Wie so ein gemeinsames Leben aussieht, ist nämlich ungewiss. Mina und Kian sind zwar schon verheiratet. Kennenlernen müssen sich die beiden aber noch. Denn Mina und Kians Ehe wurde arrangiert. Nach unzähligen erfolglosen Dates mit deutschen Frauen entscheidet sich der iranischstämmige Arzt Kian eines Tages dazu, das Angebot seiner Mutter anzunehmen und auf traditionell iranische Art zu heiraten. Kurz darauf zieht Mina aus dem Iran für ihn nach Deutschland – eine Fremde. Zwischen unbeholfenen Annäherungsversuchen und unangenehmer Stille oszillieren wir mit Mina und Kian nun von Tag zu Tag zwischen der Hoffnung auf ein funktionierendes gemeinsames Leben und der Angst, den Sprung über den kulturellen Graben nicht zu schaffen.
Regisseurin Susan Gordanshekan, die ihre Wurzeln ebenfalls im Iran hat, nimmt sich des Themas der arrangierten Ehe in ihrem Spielfilmdebüt A Dysfunctional Cat (Eine defekte Katze) auf eine sensible und alles andere als effekthascherische Art und Weise an. Die Entwicklung der Beziehung wird uns nicht mit vielen Worten, sondern vor allem mit Blicken und Berührungen erzählt. Das Setting der sich mit der Zeit wandelnden neuen Wohnung fungiert wie eine dritte Protagonistin. Die Kamera liegt stets auf den Gesichtern. Es ist ein intimer und differenzierter Blick auf ein Thema, das in der westlichen Kultur meist von Unverständnis geprägt ist. Gleichsam werden wir damit gelungen mit unseren eigenen Vorstellungen von Liebe und Ehe konfrontiert.
Unaufgeregt und realistisch begleiten wir parallel dazu auch Mina, wie sie sich an die deutsche Kultur herantastet. Auf eine sensible Art und Weise zeigt uns Gordanshekan so die Herausforderungen, die mit dem Umzug in ein anderes Land einhergehen, und ermöglicht dem Publikum einen fremden Blick auf die eigene Kultur. Die Regisseurin beweist durchs Band viel Feingefühl und lässt gleichzeitig Spannung entstehen. Denn der Ausgang der Geschichte bleibt der ungewöhnlichen Romanze entsprechend ungewiss. Bis zum Schluss lässt der Film uns auf die Antwort auf die Frage bangen, ob es tatsächlich möglich ist, sich auch nach der Heirat verlieben zu können.
A Dysfunctional Cat | Film | Susan Gordanshekan | DE 2018 | 93’ | FIFF Fribourg 2019
Enigma
Betroffenheits-Journalismus, der reisserische «Witwenschüttler»-Porträts voller Geschrei und Geschluchze generiert, ist in Südamerika, dem Kontinent der Telenovela, sehr verbreitet. Der am Festival International de Films de Fribourg FIFF erstmals in der Schweiz gezeigte Film Enigma handelt von einem für die Medien attraktiven, weil ungelösten Gewaltverbrechen. Im Chile der späten 90er-Jahre will ein Sender den brutalen Mord an der homosexuellen jungen Erwachsenen Sandra öffentlich «aufarbeiten» und einige Szenen nachstellen. Darum wird Mutter Nancy (überzeugend zwischen überfordernder, angestauter Trauer und Alltäglichkeit: Roxana Campos) und kontinuierlich ihre gesamte Familie vom Fernsehsender drangsaliert, bei einer Show mitzumachen. Der Film des jungen chilenischen Regisseurs Ignacio Juricic Merillan aber kokettiert nicht einmal mit der Rekapitulation des Verbrechens, mit emotional überbordenden Rückblenden oder lautstarken Familienkonflikten voller knallenden Türen oder dramatischen Ohrfeigen. Sogar der Sender, eigentlich auslösendes Moment der Erzählung, bleibt ein Nebenschauplatz. Stattdessen zeigt Juricic Merillan geflüsterte Auseinandersetzung von Eltern, die das Leid wenn nicht stumm so doch streitmüde gemacht hat – und rauchwütig. Er fokussiert auf die Frauen der Familie, die sich fast so viel frisieren, wie sie rauchen. Pausenlos wuseln sie an Härchen rum oder hüllen sich in nachdenklichen Rauch ein. Diese für junge Mädchen und tüchtige Hausfrauen irgendwie anrüchige Tätigkeit ist so exzessiv wie symbolisch: Der Rauch, möchte man meinen, legt einen narkotisierenden Nebel auf die Gedanken, die Erinnerung, die Trauer und die Suche nach Gerechtigkeit. Und vielleicht ist er auch Mittel, um die Tatsache zu verstecken, die niemand wirklich aussprechen mag: Die tote Tochter, Nichte und Schwester Sandra lebte ihre Homosexualität offen aus und verkehrte in fragwürdigen Kreisen, was ihr zum Verhängnis wurde. Der erste Langspielfilm des Regisseurs leuchtet dank dem Verzicht auf Filmmusik umso deutlicher in die seit Jahren abgedunkelten Ecken der traurigen Familie, entblösst die Scheinheiligkeiten und konservativen Vorbehalte aller. Der Umgang mit Mord in der Familie lässt alle ratlos – er bleibt ein Mysterium und Rätsel – ein Enigma.
Enigma | Film | Ignacio Juricic Merillan | CHL 2018 | 80' | Festival Filmar en América latina Genève 2019; FIFF Fribourg 2019
Screenings at FIFF Fribourg 2019
Remote Control
Birdie is a boy with artistic sensibilities. He is growing up in a Mongolian ger district and has very few prospects. His only respite from the ramblings of a drunken father, the nagging of a nasty step-mother and from the little brother who steals from him to buy a pony ride are the daily sojourns to sell his neighbour’s milk in the capital city Ulaanbaatar. Eventually Birdie flees from the misery of his familial hell, taking up residence on a city rooftop, surrendering himself to the endless blue of the Mongolian sky. From here, he spies upon the lives of other people through their living room windows. Using a stolen “universal remote control”, he changes TV channels and anonymously interacts with the lives of these strangers: diffusing arguments, distracting sex, preventing robberies. He silently falls for a sad woman on the top floor who suffers from severe vertigo and a fear of flying; even his own happiness is experienced remotely.
There is a pervasive gentleness to the film, even in the violence. The Buddhist sensibility is infused everywhere – in image, character and story. The little monk, Bunya, whose desire to fly causes him to be beaten to death. The manifestation of a Mongolian princess appearing at the bus stop, walking amidst the traffic. Ideas of our remote spiritual interconnectedness are explored, with the ethical implications of never meeting fact-to-face, interacting instead only through digital technologies.
Tradition mingles with contemporary life, each making the other look antiquated in their ill-fitting relationship. Ulaanbaatar’s saturated urbanisation with its Soviet-era architecture meets the smooth grassy plains of the steppe, that reach out to dusty yurt districts with barking dogs and wooden fences, embraced by the dizzying scale of arid mountain ranges. The views are shot mostly with a flat widened lens and staccato pan, suggesting both duration and change.
There is a feeling that director Byamba Sakhya plays it safe in this, his first feature, but the lack of risk is an honest offering, with promising prospects of flying ahead.(JMR)
Remote Control | Film | Byamba Sakhya | MNG-DE-USA 2013 | 90’ | FIFF 2018
Screenings at FIFF 2018
Packing Heavy
Dass es der Welt, die Darío Mascambroni in Packing Heavy entwirft, am Elementaren fehlt, sieht man gleich am Anfang. Da sitzen fünf zwölfjährige Jungs im Kreis auf dem Boden und beatboxen. Die Musik muss ohne Instrumente hausgemacht werden, wenn man sie hören will. Auch am T-Shirt muss man riechen, bevor man es anzieht, denn die Waschmaschine funktioniert nicht mehr, und die Haare werden einem nicht vom Friseur, sondern vom Bruder eines Kumpels im Hinterhof vom Kopf rasiert. Eine Pistole und zwei Schachteln Munition hingegen liegen sofort bereit, sobald man sie braucht. Es sind dramatisch verschobene Zustände, innerhalb derer die Jungs, allen voran Tómas, der sich mit einer Mischung aus Trauer und kindlicher Unbeholfenheit am Mörder seines Vaters rächen will, in ihre Pubertät hineinwachsen.
Die besondere Stärke von Packing Heavy besteht nicht darin, die Lebensrealität der Kinder am staubigen und baufälligen Rand einer argentinischen Stadt mit klagendem Miserabilismus aufzuladen, sondern darin, tatsächlich die Frage nach dem (Hinein-)Wachsen zu stellen, die klassische Frage einer Coming-of-Age-Erzählung also, nur eben unter besonderen Vorzeichen, innerhalb besonderer Zustände. Es gibt ein schönes Bild, das diese Frage permanent am Leben erhält – es ist fast den ganzen Film über zu sehen. Tómas trägt das Fussballtrikot, das einst wahrscheinlich sein Vater trug. Es ist ihm viel zu gross, aber – und in diesem Bild liegt mehr Zuversicht, als es geschrieben klingen mag – er wird hineinwachsen.
Packing Heavy | Film | Darío Mascambroni | ARG 2017 | 68‘ | FIFF 2018
Screenings at FIFF 2018
White Sun
ONLINE STREAMING (Switzerland) on Filmexplorer’s Choice by filmingo.ch
There is a corpse, that of a deceased father, and the story that unfolds in White Sun is entirely concerned with the problem of how to deal with this corpse. At the same time, it immediately becomes clear that this situation is also speaking of more general issues and concepts that one must reckon with in life: how to deal with the past, with authority, with traditions, and with a national identity in a moment of rapid transformation. The divide between the importance of respecting traditional rites and the practical problems concerning the disposal of the corpse, which would require more pragmatic solutions, creates the fundamental tension and the dramatic drive of the story. This is all intended to exhibit the divide between tradition and modernity, or traditionalism and modernization – that finally amounts also to be the difference between the countryside and the urban world. The corpse and the division it creates represent the burden of the recent civil war in Nepal as well as the difficulty of finding a compromise between the strong ancient identity bound to an unjust society of casts and the often deceiving democratization bound to the bureaucratic logic of the Maoist party. It is probably the white sun itself, displayed on the Nepalese flag, that has become a corpse that must be dealt with.
Deepak Rauniyar wants to gather all of this information into a simple intelligent story, which has the intention of describing or even explaining the socio-political complexity of contemporary Nepal – not without a touch of humour. Even if the story may be a bit conventional at times, one cannot help but recognize the complexity of the picture Rauniyar is able to convey. With a very diplomatic solution, he succeeds in criticizing all of the parties while also showing their fundamental humanity. Through a genuinely “secular” gaze, the main target is the rigidity of ideology: both in a religious and political context. The signs of hope come more from the excluded women and even more from the newer generation: in the end, the children will be the only ones able to solve the problem of the corpse…
One could criticize the almost didactic use of metaphors and the general descriptive attitude of this cinema, but one must not forget how relatively young Nepalese independent cinema is – that is, independent of Hollywood or Bollywood models. To this respect, White Sun has to be seen as a self-reflective identity drama in which the identity of Nepalese cinema and that of Nepal itself melt together in an attempt to create a new geography and new narratives.
White Sun | Film | Deepak Rauniyar | NPL-QAT-NL-USA 2016 | 98’ | FIFF 2017
